Desde el comienzo sabemos que el personaje de Joaquín Furriel ha cometido un delito o se lo acusa de haberlo hecho. Sospechamos que un homicidio. Estamos dentro del Palacio de Tribunales. Allí vemos a Marcelo, interpretado por Guillermo Pfening, el abogado de buen pasar que acaba de tener una hija con su mujer y que quiere que uno de los jueces apure una extradición que necesita. Nora, la secretaria del juzgado, interpretada por Andrea Garrote, con la cual el siempre coquetea, le dice que para apurar esa extradición el debe hacerle un favor y llevar adelante la defensa del personaje de Joaquín Furriel, al cual el vio al pasar, y del que Nora le comentará que es un pobre tipo santiageño que está en una pésima situación, sumado a que el defensor oficial que le correspondía nunca apareció. Marcelo,a duras penas, acepta darle un vistazo. Después de la primer entrevista con el personaje de Furriel, detecta que debe ayudarlo.
Flashback. Vemos al personaje de Joaquín Furriel en un pasado cercano, trabajando como ayudante en una carnicería que podría ser de algún barrio de la Capital Federal. Aquí nos enteramos su nombre, Hermogenes, al cual el dueño de la carnicería, un típico porteño corrupto, mentiroso, estafador de baja calaña que aparece de forma violenta verduguea. Latuada, interpretado por Luis Ziembrowszki. Con su menosprecio y maltrato se lo lleva a Hermógenes en su auto, llegan a destino, Latuada se calza una 9 mm en la cintura y le dice que lo acompañe, que se haga ver. Entran en una carnicería de menor categoría, maltrata a quien la atiende, le grita “paraguayo de mierda me vas a pagar” y le rompe la cara con el mango de su arma. Hermógenes“hereda” la carnicería.
El precio de trabajar allí es el maltrato, la discriminación, el menosprecio, el descuento constante de salario, la explotación, una disimulada esclavitud. Hermógenes vivía con su mujer en una piecita en Don Orione, Claypole, segundo cordón del conurbano bonaerense. Latuada le ofrece vivir en un ambiente atrás de la carnicería, de mala muerte, ordinario, sucio, repelente. Sin embargo, con gesto de agradecimiento y entrega, él acepta y, contento arranca a trabajar con toda su fuerza. Hermógenes tiene una dentadura decadente, una pierna mala, ni un peso en el bolsillo, pero una voluntad, honestidad, sometimiento y agradecimiento brutal. Pronto tanteamos que no va a seguir así la situación durante mucho tiempo.
“El patrón, radiografía de un crimen” es justamente eso, un patrón, no un empleador, y un crimen, que desde el comienzo intuimos contra quien va a ser. La película es un ida y vuelta entre el pasado próximo y la actualidad del protagonista y su abogado. Nos va explicando porque él está preso y que fue lo que lo llevó a ello. De por si parece un film típico y conocido, y lo es, pero algo prácticamente indescriptible lo hace especial, particular, único.
Como Sebastián Schindel logra retratar las relaciones patrón siervo que se dan tan cotidianamente en los comercios que uno accede a diario y que nadie se imuta al verlo. Las relaciones están a la vista, el opresor oprimiendo al ignorante, al necesitado, que a cambio de trabajo le quita prácticamente el alma. No solo aquello, sino el costumbrismo, los diálogos, los modismos y los tratos del típico argentino sabelotodo de ciudad, que abusa del campesino pobre en necesidad, que se aprovecha de su falta de educación y de su pesares. Pero, diciendo esto, parecería una película con tremenda moraleja o con un embolante sermón. No lo es en lo más mínimo. Equilibra la sensibilidad de Hermógenes y su mujer Gladys, interpretada por Mónica Lairana, el amor, el cariño, el vivir sin nada, con la violencia psicológica de las situaciones, la impotencia. Mientras uno observa la obra cinematográfica automáticamente siente que, sin grandes lujos, uno vive como un rey. Que la cosa es mucho mas simple. A uno hasta le da vergüenza verse a si mismo luego de ver las condiciones en las cuales viven los protagonistas.
El retrato del funcionamiento de algunos tipos de carnicerías es brillante. La película nos deja enseñanzas de como se trata la carne en estos establecimientos, de todas las tramoyas para rescatar la carne pasada y en descomposición y, en el mejor de los casos, mezclarla con la carne buena. Los tratados con lavandina y sulfitos a la carne podrida para que no huela. La desfachatez de un “comerciante” sin escrúpulos que puede intoxicar a un barrio entero sin mosquearse.
La desoladora interpretación de Joaquín Furriel es abrumante. Su caracterización y representación de Hermógenes es absoluta, fantástica, potente y reveladora. Demoledora. También lo es la de Guillermo Pfening, y como siempre, el tremendo y gigante Luis Ziembrovzki que siempre da en la tecla, especialmente con este tipo de roles.
Mirando el poster uno no se tienta con entrar. No le den bola, entren. No se la pierdan. Luego a donde no van a entrar es a ninguna carnicería.
El domingo último se produjo una nueva entrega de la ceremonia del premio Oscar, o Academy Award, de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas, Academy Of Motion Pictures Arts and Sciences estadounidense, que volvió a premiar, según su “criterio” y el de sus integrantes, a un conjunto de películas, previamente seleccionada, que componía, supuestamente, lo mejor del último año cinematográfico de los Estados Unidos, con algunas excepciones, especialmente la categoría Película en Lenguaje Extranjero, la cual incluye una selección de “lo mejor” del “resto del mundo”.
Una vez más, grandes performances y actuaciones de los músicos que compusieron las canciones de algunos de aquellos films, especialmente los nominados a Mejor Canción, con la excepción del tema “Everything Is Awesome” que forma parte de la banda sonora de la película “Lego”, la cual increíblemente no estuvo nominada a ningún tipo de categoría.
El chiste fácil, las risas cómplices, algunas falsas, el supuesto glamour y la participación del Hollywood Finest fue lo que reunió la gala del domingo por la noche, aunque también hay que admitir que la misma reúne una increíble cantidad de talento. Tanto de los realizadores como de los interpretes, es acompañada por un animador o conductor, en este caso Neil Patrick Harris, que fue filoso con ciertos comentarios, aunque nunca se sabe bien si en realidad es algo cierto o parte de la misma hipocresía que caracteriza aquella sociedad, así como fue el aplauso a mano partida de una extensión de minutos donde todos los convocados se levantaron de su asiento (solo lo hicieron dos o tres veces) para demostrar su aprobación al homenaje a Martin Luther King Jr, cuando los talentosos músicos John Legend y Common interpretaron la canción “Glory” que habían compuesto para “Selma”, película que recuerda y homenajea la acción de Martin Luther King Jr en su marcha por los derechos civiles que intentaba unir las ciudades de Selma y Montgomery en un estado tan retrograda como Alabama, allá a mediados de los años sesenta.
La implacable e impecable Whiplash obtuvo el primer Oscar de la noche al ser reconocido J.K . Simmons como Mejor Actor de Reparto en una competencia dura que incluía al fantástico Edward Norton de “Birdman” y al brillante y querible Ethan Hawk de la belleza de “Boyhood”. También obtuvo el premio de Mejor Montaje, algo que junto al premio de Mejor Mezcla de Sonido, el cual me generaría más de una duda ya que competía con “Interstellar”, otra bestia en la composición, diseño y mezcla sonora, son absolutamente destacados en el film. La adrenalina, virtuosismo y dinamismo que logran dentro de este “mundo dorado”, rodeado de vientos, metales y tambores, es realmente impactante. El tinte absoluto a la paleta del amarillo, naranja y dorado de toda la obra nos adentra en una calidez digna del Jazz, que se ve perturbada por la composición sonora de aquellos tambores machacantes que nos hacen mover la cabeza durante la hora y media de película. Exhaustos es como terminamos esta obra que podría haber sido un cortometraje, así estaba pensado, pero que con una historia “simple” logra adentrarnos en el ambiente musical como hacia mucho no sucedía, y con una exactitud actoral y un buen gusto estético que solo logran darnos placer.
La elíptica, intensa y de a momentos hasta agobiante “The Grand Budapest Hotel” fue una de las grandes ganadoras de la noche que arrasó, particularmente, con aquellos premios orientados mas que nada a la creación de tan especial mundo. Mejor Vestuario, Mejor Maquillajey Peluquería, Mejor Diseño de Producción y el polémico Mejor Banda Sonora, que a mi parecer debería haber sido entregado al genial Hans Zimmer por “Interstellar”, fueron las estatuillas que la genial producción dirigida por Wes Anderson consiguió en esta edición. Un film que es golosinas para los ojos, con una cantidad epiléptica de colores, brillantes actuaciones, decenas de personajes pintorescos y un ritmo frenético, efectivo, pero que se vuelve reiterativo y asfixiante (intención no planeada), genera que, para algunos, agobie o de a momentos aburra. Es fascinante la creación de los vestuarios, maquillaje, peinados, escenografías y la composición de los personajes, pero la insistencia con un ritmo que no modula de comienzo a fin y que se ve reiterado en toda la obra de Wes Anderson, generaron que me despegara un poco de la pantalla durante la proyección.
La película argentina que todos esperábamos que ganara en la terna de Mejor Película en Idioma Extranjero cayó frente a la polaca “Ida”. La aplaudida y récord histórico en cantidad de entradas vendidas dirigida por Damian Szifrón, supo engolosinar a los espectadores argentinos que no dudaron en ir al cine después de tal bombo periodístico. La calidad de la realización de Szifrón es incuestionable, también de las interpretaciones de semejante elenco, pero algunas de las historias diluyen un poco el impacto. En ciertos casos parecen generadas “de serie” como un conjunto de gags o acciones pre estudiadas que parecen de un seriado de producción de contenidos para TV, que además forma parte de los créditos. La falta de unión entre las diferentes historias logran que si uno no se engancha con alguna de ellas comience a ver el reloj. La genialidad de la primer historia, la del avión con Darío Grandinetti, es un inicio tan magnifico que el resto del film parece no estar a la altura. Recién en el final de la película, con la historia de los novios protagonizada por Érica Rivas uno vuelve a observar un impecable relato, desde lo técnico y narrativo, donde uno pareciera ver al verdadero Szifrón, con una sensibilidad y un talento para el manejo del humor negro y la modulación dramática que no se ven usualmente. Definitivamente uno de los mejores estrenos del año por más que el inflador de la prensa funcione tan bien con algunos espectadores de ciertas características.
La belleza, sensibilidad, genialidad, nostalgia, amor y tacto de Richard Linklater para crear tan hermoso film como lo es “Boyhood” no fue tenida en cuenta para los premios, al menos no para ganarlos. Solo lo logró Patricia Arquette quien ganó el Oscar a Mejor Actriz de Reparto luego de una interpretación memorable como la madre de Mason, en donde se centra el film, la cual solo es comparable con la de Ethan Hawke, quien interpreta al padre, en una obra que logra transmitir los sentimientos y sensaciones de la infancia y adolescencia, que abarca el amor de los padres por sus hijos por más barreras y complicaciones, propias y ajenas, que la vida ponga en frente. El amor de un padre o madre por su hijo/a es inmenso y aquí lo sentimos en carne propia. Las lágrimas que se querían caer de mis ojos mientras disfrutaba de las mas de tres horas de proyección solo se comparan con las que atacan mis ojos cuando recuerdo mi infancia o adolescencia. No se si será una cuestión de nostalgia, pero logra tele transportarnos a nuestras propias experiencias y vivencias como niños y adolescentes, haciendo que las añoremos aún más.
La vanguardia del film, un rodaje de 12 años para poder contar la historia de manera impecable, hacían pensar que iba a recibir más premios. No se entiende como no participó de más categorías, aunque en las que lo hizo tenía contrincantes más que potentes.
“Birdman” arrasó como debía. Una película que parece novedosa, por más que el recurso del plano secuencia “interminable” ya lo habían utilizado varios, particularmente Hitchcock con la recordada “Rope” allá por 1948. La película pareciera innovar utilizando este recurso pero llevándolo a un nivel de opresión y aceleración que generan un estado vertiginoso donde pareciera que nunca vamos a poder respirar. Acompañado por el sonido de una percusión constante que solo de a momentos afloja y se transmuta a un piano, Alejandro Gonzalez Iñarritu nos agarra de la nariz y nos lleva a través del laberinto de la vida de Riggan Thompson, interpretado por un bestial Michael Keaton que la rompe toda, plasmado en una escenografía que evidencia visualmente aquello que se cuenta, como los vericuetos y pasillos de un teatro con su diferentes niveles y cuartuchos, retratados por esta cámara desquiciada fotografiada por Emmanuel Lubezki, quien se llevó el premio a Mejor Fotografía. Esta película nos propone una estética pocas veces vista, nos transmite y genera sensaciones físicas y nos explota con la brillante actuación de todo su elenco, donde se destacan Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton y Naomi Watts. Así, con esa calidad, Alejandro Gonzalez Iñarritu ganó el Oscar a Mejor Director, su obra “Birdman” a Mejor Película y la escritura de la misma donde participaron dos argentinos, Armando Bo y Nicolás Giacobone, se llevó el premio a Mejor Guión Original.
“Interstellar”, una de las mejores cosas que me pasó en la vida, fue la más echada a menos y dejada de lado. Candidata a categorías “menores”, este film que abrió una nueva puerta en el Séptimo Arte, no fue tenida en cuenta para Mejor Película, Mejor Director, Mejor Guión Original ni para Mejor Actor o actriz. Una experiencia absolutamente única parecería que debería haber ganado todo. Sin embargo no fue así. El único Oscar que ganó fue al de Mejores Efectos Visuales, y es ahí donde re afirmo lo que dije hace algún tiempo, no se que habrá sentido la gente cuando vio “2001: Space Odyssey” pero calculo que algo parecido a lo que sucedió cuando vimos “Interstellar”. Sin querer comparar a Nolan con Kubric, directores de “Interstellar” y “2001: Space Odyssey” respectivamente, se dio otra casualidad, que “2001…” el único Oscar que ganó fue, también, el de Mejores Efectos Visuales.
Cabe destacar también que el premio a Mejor Actor se lo llevó el abrumador Eddie Redmayne quien interpreta de manera fantástica y creíble a uno de las grandes mentes de la historia de la humanidad, Stephen Hawkin. El film no se destaca tanto por su realización, un poco acaramelada y de mucho golpe bajo donde el llanto está buscado constantemente, al margen de que la historia real es realmente triste, pero si lo hace justamente por ser una historia real. Esto, más unas interpretaciones descomunales de Eddie Redmayne, quien lo interpreta a Stephen, y la descomunal Felicity Jones, quien interpreta a su esposa Jane, nos dirigen en un camino donde la voluntad lo es todo. Dos horas de unas actuaciones realmente impresionantes y de releer o recordar una historia tan trágica como brillante como es la del físico.
“Still Alice” es por la película que Julianne Moore gano el premio a Mejor Actriz, un film que retrata la lucha de Alice tras saber y experimentar que tiene Alzheimer y como aquello repercute en su vida diaria y en su familia. Obra que aún no se estrenó en la Argentina lamentablemente.
“The Imitation Game” es la película que se llevó el premio a Mejor Guión Adaptado, una obra que demuestra parte de la vida del matemático Alan Turing, interpretado por Benedict Cumberbatch, quien es contratado por las autoridades británicas para descifrar el código Nazi Enigma con los cuales transmitían las diferentes ordenes para los actos bélicos. Turing desarrolla una máquina para poder develar aquel código y de esa manera termina creando la primer “computadora” que el mundo conoció. Abarca de alguna forma romanticona y un tanto frívola o superficial a la sociedad británica y al maltrato ejercido sobre los homosexuales a mediados del siglo XX. Alan Turing sufre aquella opresión y represión mientras lucha por desarrollar aquel dispositivo y por sobrevivir en una sociedad represora y violenta contra los homosexuales. Graham Moore escribió esta Biopic que fue dirigida por Morten Tyldum en un obra que pareciera no estar a la altura de tal reconocimiento ya que la propuesta es bastante típica y más que adentrarnos en su personalidad y en su conflicto nos preguntamos todo el tiempo cuando la máquina finalmente va a funcionar y a ganar la guerra.
Una entrega más de las estatuillas más importantes de los Estados Unidos. Los Oscar no significan demasiado a nivel de si una película supuestamente “es buena o no”. No es un parámetro real de la calidad cinematográfica, además de que está centrado prácticamente en un país que, por más que sea el mayor productor de aquel arte, no quiere decir que sea absoluto, y que los criterios de los miembros de la “Academia” sean los que “hay que seguir”. Sí marcarán algún rumbo económico ya que después de la gala y de la entrega de premios suelen reestrenarse films, lo que da una bolsa más en recaudación. Eso si, puede ser una buena oportunidad para ver o re ver alguna que nos hayamos perdido mientras estaba en cartel. JULIÁN NASSIF
“Me corté la mano mientras me afeitaba” y “Una cosa es una cosa y no lo que se diga de ella” pueden ser dos frases que dibujen un poco de que la va este film. Recorriendo el ensayo y pre estrenos de una obra de teatro basada en un libro de la década del 80 de Raymond Carver titulada “What we talk about when we talk about love” adaptado por el protagonista del film, Riggan Thomson, interpretado por Michael Keaton, quien también dirige y protagoniza aquella obra es en donde va a estar centrado el argumento.
En un intrincado camino que lleva a Riggan a una revoltosa confusión, recorre el argumento buscando re encontrarse con su carrera, éxito, fama y familia, en un agobiante circuito que recorre cada rincón del teatro, retratada de una forma opresiva por una cámara que pareciera nunca cortar, en un plano secuencia de una puesta hiper dinámica que sube, baja, se acerca y aleja de forma vertiginosa.
La puesta es una de las herramientas más efectivas del film, ya que un aparente plano secuencia que nos deja sin respiro ocupa el 99 por ciento delmismo. Los planos cerrados, la velocidad de los movimientos y su dinámica generan una claustrofobia y un ahogo que representan efectivamente el estado mental del protagonista. Esto, acompañado con la locación donde se desarrolla la mayoría del pietaje, un teatro y todos sus pasillos, laberintos y recovecos, funcionan de forma electrizante, cuasi surrealista, siendo representada la historia en aquellas formas edilicias.
Inclusive en las escenas que suceden en los exteriores como el techo del teatro o el mismísimo centro de Broadway, están registradas de una forma que, más que generar amplitud, majestuosidad e inmensidad, logran sumar a la historia con una estética esquizofrénica y virtuosa.
La monstruosidad, desde un lugar positivo, de las actuaciones cierran este círculo, que más que círculos aparentan una infinita combinación de anillos, estilo diagrama de Venn, donde cada interpretación es fabulosa e impecable. La naturalidad, en algunos casos, de ciertas interpretaciones nos transmiten, de a momentos, una naturalidad que nos hace pensar que estamos viendo una situación real de un grupo de actores en pleno desarrollo artístico. Sentimos que es lo que esos actores, esas personas, harían realmente en una situación así.
Un genial y desopilante Edward Norton. Una correctísima y brillante Naomi Watts. Una diferente y admirable Emma Stone, que vuelve a demostrar su versatilidad y calidad representativa. Y, particularmente, un bestial Michael Keaton, que vuelve a marcar y a dejar asentado que es un grandísimo actor, espectacular para la comedia y para aquellos personajes surrealistas y bizarros, luego de haber participado de muchas obras olvidables.
La vorágine termina de cerrar con un tratamiento sonoro que incluye lo funcional pero también se oye acompañada por una incesante percusión que hace todo más veloz y tambaleante. También es interesante que esta percusión aparece del fuera de campo y de la extra diégesis para estar plasmado explícitamente en escena como un elemento más. Únicamente es silenciada cuando la película respira un poco, nos lo deja hacer a nosotros y se va a un lado más reflexivo, alejado de la explosión emocional y visual. En este caso, únicamente, es canjeada por otro instrumento, el piano, quien ya se hace común en varias películas contemporáneas ayudando a disminuir las revoluciones y decibeles.
Entre todo este menjunje increíble, quien vuelve a destacarse de manera genial y creativo es Alejandro Gonzalez Iñarritu, revitalizando su calidad, calidez y su innovación estructural y estética que siempre lo destaco. La búsqueda constante por estilos diferentes y por adentrarse en los diferentes géneros cinematográficos realzan su obra y lo elevan. Es fascinante la ambición por renovarse y seguir adentrando en el estudio estructural y de recursos formales. Comenzó con su trilogía de “Amores Perros”, “21 Gramos” y “Babel” para luego pasar por otros estilos un tanto más obscuros o depresivos, pero aquí se entrega a la comedia, y vaya que lo logra con honores.
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