ESPACIO DOC BUENOS AIRES – FILMAR OBSTINADAMENTE, ENCUENTRO CON PATRICIO GUZMÁN

 

Film que abarca la obra del inmenso Patricio Guzmán, recorriendo la mayoría de sus documentales, que están vinculados de forma u otra con Salvador Allende, el golpe de estado que lo derrocó, la dictadura de Pinochet, el terrorismo de estado, los desaparecidos, la tortura y la muerte.

“La Batalla de Chile”, “Chile, la memoria obstinada”, “El Caso Pinochet” y “La Nostalgia De la Luz” son las obras que el director y escritor francés Boris Nicot toma como punto de partida para analizar la obra pasada, la actualidad, las futuras obras y la visión general que tiene Patricio Guzmán sobre la historia de Chile, sobre las dictaduras, sobre el pueblo y sobre la inabarcable violencia, pero también fuerza, sensibilidad y lucha del pueblo chileno frente a su pasado.

Lo fantástico de su obra queda por debajo de lo atrapante, lo absoluto y lo talentoso que es el propio Guzmán, que es quien va contando la propia historia de sus films y su vida. Su forma, su modo, sus analogías, funcionan como clases maestras de cine documental, de análisis artístico y de una capacidad de abstracción, combinada con una mayor de asociación que es lo que marca sus films y lo que lo llevó y lleva al lugar donde ha llegado y/o irá a llegar.

Sentir en su mirada, en su relato, en sus mínimos gestos, toda la potencia narrativa, dramática y emocional, es el mayor logro de Boris Nicot, quien con algunos puntos de partida deja a Guzmán analizar su propia obra e intentar explicar el porqué y el como de lo que ha desarrollado.

En pequeñas oraciones, con pequeños elementos, enseña como hacer lo que el hizo o al menos nos deja ingresar a su mundo, a su creatividad, nos deja sentir casi con el tacto su dolor, el dolor que compartió con sus colegas y sus compañeros militantes y el profundo dolor de los desgarradores testimonios que se encuentran en las diferentes películas y en las diferentes proyecciones de aquellas, donde se imprimen las consecuencias de sus montajes.

Funciona como un backstage arrollador y superador donde vamos descubriendo secretos o cosas que “no se vieron”. Donde encontramos las explicaciones del porque de ciertas decisiones cinematográficas. Donde nos explica “como lo hace” y nos seguimos preguntando “¿como lo hace?”. Como hace para reducir los conceptos y asociarlos, para que todo parezca tan simple de realizar después de que nos cuenta como fue el camino.

De a momentos sentí ese pequeño y agradable escalofrío de cuando uno está cerca de alguien que lo hace sentir muy cómodo. Esa cosquilla de aquellas pieles que se imantan como el tacto de nuestra madre sobre el rostro, sobre nuestro pelo. Uno quisiera poder hacer como él y eso es fascinante. En su dolor y en su virtud. Esperemos que las películas de Patricio se miren por cien años, durante un siglo, como el tiempo que lleva equilibrar, según él, las atrocidades del genocidio.

JULIÁN NASSIF

MAPS TO THE STARS (Polvo De Estrellas)

Un adolescente estrella de Hollywood, Benjie Weiss, interpretado por Evan Bird. Sus padres, Dr. Stafford Weiss y Olivia Weiss, interpretados por John Cusack y Olivia Williams respectivamente, adictos al dinero, ocultan a su hija mayor Agatha, intepretada por Mia Wasikowska, a quien internaron en la otra punta del país cortando cualquier tipo de lazo, erradicando el recuerdo de aquel hogar en las famosas colinas de Hollywood que su hija había prendido fuego, no sin antes empastillar a su hermano con una panzada de ansiolíticos y barbitúricos en plena ceremonia nupcial incestuosa.

El padre, Dr. Stafford Weiss, una especia de terapeuta alternativo que utiliza la palabra y los masajes para canalizar las emociones, basado en una base psicológica empíricamente cuestionable. Stafford y Cristina Weiss, los padres, en realidad son hermanos.

Una madura actriz, Havana Segrand, intepretada por Julianne Moore, desesperada por interpretar el papel de su madre en una remake de un supuesto clásico de los setentas. La madre de Havana murió en un incendio.

Ansiolíticos, barbitúricos, alcohol, adolescencia, prematuros, adicciones, rehabilitaciones, quemaduras, sexo, asesinatos, violencia psicológica, golpes, incesto, estrellas y estrellados, todos en el “impoluto” Hollywood. En la burbuja de lo artificial, de lo “perfecto”. Allí en la constelación se dan los hechos más naturales, o antinaturales. Más humanos, o más bien, inhumanos.

David Cronenberg con una puesta quieta, fija, contemplativa, que, impregnado con lo retorcido de los personajes, logra una tensión implícita avasalladora. La quietud, los pocos movimientos de cámara, los planos funcionales, o al menos que eso quieren aparentar, apoyados en la fotografía de Peter Suchistzky, explotan de rigidez y crudeza.

En la sordidez cotidiana del mundo Cronenberg, las actuaciones de Julianne Moore, John Cusack, Mia Wasikowska y Evan Bird se destacan en la perfección y despilfarro material pero en la avaricia emocional de los personajes. En el surrealismo de las constelaciones hollywoodenses, de estrellas quemadas. De enanas. De aquellas apunto de explotar luego de que su horno nuclear haya consumido todos esos átomos de hidrógeno. Todo ello y aquello se comprime en esta bomba atómica de crudeza, frialdad, sordidez y “artificialidad” que nos explota en la cara de una manera redonda y equilibrada.

Cronenberg lo hizo ota vez.

JULIÁN NASSIF

ESPACIO DOC BUENOS AIRES – “EL VALS DE LOS INÚTILES”

 

“El Vals de los inútiles” es una obra realizada por Edison Cajas que documenta los siete meses del conflicto estudiantil del año 2011 en la República de Chile. La toma de la Bastilla, donde el pueblo revolucionario francés toma aquel fuerte en el que el Rey apresaba sin juicio previo a quien actuara o pensara en su contra, logrando simbólicamente el fin del Antiguo Régimen, por ende el de la monarquía de esa nación, sirve como simetría o como punto de partida explícito de la toma del colegio donde se centra el film, el Instituto Nacional de Santiago.

La toma de la institución funciona como medida para exigir y luchar por un profundo cambio estructural de la educación chilena, particularmente exigiendo mayor participación pública del estado en la educación y eliminando la libre empresa que azotaba aquel sistema, generando un gran endeudamiento de los alumnos únicamente por querer estudiar. El pedido de una educación pública, laica y gratuita es una de las bases del movimiento estudiantil que durante meses llevo adelante una lucha que incluyó tomas de colegios y universidades a lo largo de todo el país, apoyadas por grandes manifestaciones, tanto del estudiantado como de gran parte de la sociedad que eran amedrentados por la tan conocida represión de los carabineros.

En este caso el film augura un halo de cambio y transformación por más que no se vea explicito en el lapso que abarca el raconto. La juventud, su vivacidad, su frescura y energía brindan una lucha honesta y transparente, denunciando la gran instrucción intelectual que muchísimos jóvenes tienen a lo largo de aquel país, como también su atención y despertar frente a la represión económica del sistema educativo y económico. La mercantilización de la educación es la antítesis del futuro anhelado por aquella juventud y también por aquellos adultos que sienten vivir un deja vú de el terrible pasado reinado por la dictadura de Pinochet y por las medidas auspiciadas por los Estados Unidos a medida social, económica, política y principalmente educativa, que son las mismas que inauguraron lo que hoy parte de ese pueblo confronta.

La profundidad de algo tan complejo que muchos todavía no pretenden, quieren o pueden ver, como fue y es el desarrollo del aparato estadounidense en la sociedad chilena desde los años setenta, contrasta con una manifestación sana y refrescante como las 1800 horas por la educación, donde ciudadanos chilenos corren durante 1800 horas a lo largo de 60 localidades con el fin de lograr que sus reclamos sean escuchados, analizados y ejecutados. El film basa mucho de su simbolismo en diferentes imágenes que destacan y manifiestan este continuo andar y correr que impregna de voluntad y emoción lo que vamos viendo e intercalando.

Su estructura no es la de un clásico documental, no cuenta con voz en off explicativa o narrativa ni con una forma televisiva donde vemos claramente y de manera cronológica que es lo que está sucediendo a nivel informativo. Aquí observamos una historia, que si tiene una cronología, pero que se basa a nivel narrativo en dos figuras, la de un actual profesor que sufrió la represión de Pinochet y que a lo largo de sus actuales costumbres y obligaciones descubre un poco su pasado, y la de un joven que forma parte de aquel Instituto Nacional tomado y quien sufre la estructura educativa cuasi militar donde son vistos y manifestados como números y tratados de forma materialista.

El pasado y el presente se ven cara a cara en los personajes, pero también en lo vivido, ya que ambos sufren de las mismas consecuencias que ni siquiera son cuestionadas por las autoridades, ya que su mismo presidente de aquel entonces, con un supuesto tinte progresista, dicta apelando al conflicto que “nada es gratis en la vida, alguien tiene que pagar”.

De forma u otra con esa sola frase podría haber comenzado y culminado el film, pero no. Aporta una sensación tangible del positivismo intrínseco del pueblo. Sin siquiera lograr un cambio profundo que exceda la mera “discusión” dentro del Parlamento, sin lograr desterrar la concepción estatal de la educación como un capital, obteniendo como respuesta meras medidas que siguen acrecentando esa concepción, como la facilitación de créditos y medidas similares, la película igualmente nos lleva y trae, nos confunde y nos adentra en un vaivén que altera entre la frescura, el cambio y el futuro, con la imposibilidad, la impotencia y el desencanto.

JULIÁN NASSIF

THE EQUALIZER (El Justiciero)

 

“El Justiciero” (The Equalizer) esta basada en la serie de la década del ochenta llamada, también, “El Justiciero” (The Equalizer), creada por Michael Sloan y Richard Lidheim y protagonizada por Edward Woodward quien interpretaba a un ex agente del Servicio de Inteligencia Británico que combatía a todo tipo de delincuente. Alguien que brindaba sus conocimientos y habilidades para combatir el mal, lo ilegal y el delinquir tanto físico como moral.

Esta película versión 2014 funciona como precuela de aquella serie. En este caso se muestra como es la transformación de este hombre que vemos de forma muy natural, que no molesta a nadie, ayuda a la gente con la que se involucra y hasta colabora para que sus compañeros del local de elementos para el hogar y construcción logren mejorar sus rendimientos.

En este film de Antoine Fuqua, Robert McCall, interpretado por Denzel Washington, es querido por sus compañeros de trabajo pero también es constantemente cuestionado sobre quien el realmente era. Esto es un detalle que va a llevar toda la película hacia adelante y que será lo que mayor intriga y preocupación nos genere.

Todo se dispara porque una jovencita prostituta Teri, interpretada por Chloe Grace Moretz, con el cual el compartía alguna que otra micro charla en un tranquilo café de barrio, es agredida duramente por su cafisho o chulo, lo que genera que Robert sienta una profunda sensación de injusticia y debido aquella, y a su incipiente cariño por la joven, comience a perseguir los trazos de lo peor de la mafia rusa en la ciudad de Nueva York. En su camino, enfrenta a pequeños mafiosos rusos, a policías corruptos de la ciudad y a todo aquello que circule o flote alrededor del cabecilla de la mafia rusa, quien luego de que Robert se cargue a un par de sus secuaces, envía a uno de sus mejores hombres, también de los más fríos y despiadados, Teddy, interpretado por Marton Csokas.

Desde ese momento comenzará un juego bilateral del gato y el ratón, ya que mientras a Robert lo buscan los rusos, luego de enterarse que fue el quien desactivo una de sus células, el mismo Robert comienza una búsqueda de información y data sobre quienes son estos rusos y como llegar tanto a ellos, como a los que están bajo sus sobornos. De esta manera una especie de camino del anti héroe comienza y Denzel nos brindará un poco mas de lo que ya nos ha acostumbrado en varias de sus películas: una cara dura como la piedra que oculta cariño y humanidad, una habilidad física importante y una creatividad destacable para deshacerse de sus enemigos.

La destacada actuación de Denzel Washington, a lo cual ya nos tiene acostumbrados en diferentes géneros, es en lo que de a momentos la película se sostiene. No es una historia novedosa, no aporta nada nuevo a nivel estético, narrativo ni técnico, pero en aquellos momentos en donde apreciamos un mínimo gesto del actor que naturaliza y hace verosímil hasta la cosa más absurda es en donde esta obra toca su pico máximo.

Demasiadas voces en off realizadas posteriormente para que cualquier persona pueda entender la película, inclusive sin prestarle atención, es lo que más irrita, ya que en muchísimos momentos en lo que las escenas se entienden solo con pegar una imagen con la otra, se busca este ridículo y básico recurso, que en vez de aportar, termina restando a la calidad del film, tanto por tratar al espectador como un idiota como por ni siquiera dejarlo hilar dos elementos en su mente.

Aquellos que extrañan a Tony Scott deben ver esta película ya que la estética planteada desde la Dirección de Fotografía de Mauro Fiore, la historia y la dirección de actores remiten al estilo Scott Free, y de a momentos no sabemos si estamos viendo “Hombre en llamas” o algo nuevo.

Cansa de a momentos que todos los factores del mal norteamericano sean externos. Que planteen al justiciero y al que defiende la justicia y la moral como uno de ellos, cuando son un estado que no ha dejado de reprimir, oprimir, asesinar, extorsionar y tantas cosas más a casi todo el resto de las naciones y pueblos de la tierra. Seguir con este tema de que el mal viene de Rusia, de Irlanda, medio oriente o vaya a saber uno de que lugar siempre y cuando sea extranjero, es un tanto insultante a nuestra inteligencia.

JULIÁN NASSIF