Basándose en la sólida base del triángulo Iñarritu, Di Caprio y Emanuel Lubezki, uno podía decir de antemano que “The Reverant” iba a ser una obra destacada candidata a varios premios que iba a traer muchísima expectativa en el mundo cinematográfico y sus espectadores, particularmente después de la tremenda entrega anterior de dos de este triángulo como fue “Birdman”. Ahora, todo eso sucedió: se llenó de nominaciones a muchísimos premios, especialmente a los Oscar donde, llamativamente, no es postulada para el premio a Mejor Banda Sonora, reventó los cines con una gran convocatoria, especialmente para un tipo de película que no apunta al pochoclo tradicional, y generó diferentes sensaciones de euforia luego de verla.
Los escenarios naturales, retratados por la exquisita sensibilidad lumínica de Lubezki, generarán varios suspiros, donde terrible golosina para los ojos es descubierta durante la interacción de los personajes, particularmente por Glass, quien es interpretado por Di Caprio.
Se desprende del film la figura del humano como elemento equitativo al resto de los animales en su desarrollo social y en cuanto a su interacción con el hábitat, generando una alarma constante, no solo por las enemistades y cacerías humanoides recurrentes, sino por los peligros que azotan, generados por cada elemento y fuerza natural. Es este aspecto lo que va a generar una sensación de acoso y claustrofobia que se exaltan y contraponen con los vastos y bellos paisajes monumentales. El contrapunto de un espacio completamente abierto y bello con los peligros que corre el protagonista mas todos aquellos por venir, desatan una energía y una sensación de falta de aire que sucede a lo largo de todo el film, rememorando similares efectos de su obra anterior: “Birdman”.
Pero al igual de lo nombrado, hay otro elemento que se repite a lo largo de la obra y que también nos recuerda al pasado que son la cantidad de larguísimos planos secuencia desarrollados de forma impecable. De mismo modo, este recuso pierde efectividad, si es que uno tiene fresca la obra del director. Lo que impactaba en su anterior film aquí pierde fuerza tras verse un tanto reiterativo. Quizás es otro de los métodos del autor y la película es parte de una especie de trilogía donde el recurso técnico es utilizado una y otra vez, así como lo hizo con su anterior trilogía donde la estructura narrativa se aparentaba entre “Amores Perros”, “21 Gramos” y “Babel”.
Un diseño sonoro minimalista respeta de manera acertada el ambiente de aquellos espacios naturales, aunque no logra ser suficiente para transmitir la sensación que uno percibe cuando está involucrado en tan impactantes escenarios. No terminar de lograr ese efecto es lo que a la vez genera que sea un poco más difícil identificarse con el protagonista. Aunque, claro está, esto es logrado, quizás de manera menos eficiente, por los constantes acosos y tragedias que enfrenta quien lleva adelante la línea narrativa que, de a momentos, agotan con un problema atrás del otro.
Una de las fallas que considero alejan al espectador debido a su cualidad técnica son las animaciones. Son de una calidad cuestionable para esta época y es deficiente el hecho de que el primer plot point del film, la vuelta de tuerca que lleva adelante la película y hace que Glass pase por todo lo que tiene que pasar, sea una relación de Live Action con CGI. Genera un ruido visual, más que nada porque todo lo que vemos son cuestiones naturales donde no hay prácticamente intervención del hombre y, cuando uno de los conflictos lo plantea una animación poco creíble, la escena pierde efecto.
La música original llevada adelante por Ryuichi Sakamoto, Alva Noto y Brice Dessner junto a la banda sonora son descomunales logrando una buena unidad con los sonidos ambientes y generando un único producto audible que funciona a la perfección para lo que estamos observando; logrando, de a ratos, que las pequeñas intervenciones orquestales no rompan con el clima ni funcionen como golpe bajo para asegurar una intención.
Tom Hardy, interpretando a Fitzgerald, vuelve a demostrar que es una bestia de la actuación, por más que a veces erre en su elección de roles.
Esta obra que ahonda en un período histórico borroneado de los Estados Unidos hace pie en los violentos enfrentamientos culturales tanto entre inmigrantes de diferentes países como con los pueblos nativos, para ellos y entre sí.
Una experiencia cinematográfica particular y casi única. Eso sí, se está reiterando esto de “la experiencia”, como lo fue también por ejemplo “Gravity”, entre otras, y valdría plantearse si el cine camina hacia ser una especie de “parque de diversiones” con contenidos dramáticos vagos o si queremos seguir contando buenas historias, más allá de lo que puedan impresionar con golosinas a nuestros ojos y oídos.
Julián Nassif
Cinematografia 